Figuren für den Modellbau: Von der Vorbereitung bis zur Bemalung mit NMM- und OSL-Technik

Figuren sind vielleicht die künstlerischste und anspruchsvollste Disziplin des statischen Modellbaus. Hier geht es nicht darum, einen Bausatz präzise zusammenzusetzen, sondern ein Stück Rohharz oder Metall in ein kleines malerisches Meisterwerk zu verwandeln, bei dem jeder Licht- und Schattenübergang von Hand mit dem Pinsel gemalt wird. Eine gut bemalte Figur kann eine Epoche, einen Charakter, eine Emotion auf wenigen Zentimetern Höhe erzählen.

Dieser Leitfaden begleitet Sie von der Materialauswahl bis zu den beiden Techniken, die erfahrene Maler von Anfängern unterscheiden: dem Non-Metallic Metal (NMM) und dem Object Source Lighting (OSL).

Die Materialien: Kunststoff, Harz, Metall

Figuren werden aus drei Hauptmaterialien hergestellt, jedes mit seinen eigenen Eigenschaften.

Kunststoff (Polystyrol / Multipart)

Typisch für Bausätze und Wargames (Games Workshop, Warlord Games). Leicht, einfach zu schneiden und mit Kunststoffkleber zu kleben. Gute, aber manchmal weiche Details. Ideal für Anfänger aufgrund der geringen Kosten.

Harz

Das Material für hochwertige Sammlerfiguren. Polyurethanharz erfasst feinste Details und hält die Farbe gut. Erfordert Sekundenkleber und Vorsicht (Harzstaub muss abgesaugt, niemals eingeatmet werden). Es ist das Material von Pegaso Models und Andrea Miniatures.

Metall (White Metal)

Zinn-Blei-Legierung, traditionell für historische Figuren. Schwer, robust, hervorragend für dynamische Posen dank des Gewichts, das die Basis stabilisiert. Wird mit Feile und Säge bearbeitet, mit Sekundenkleber geklebt oder gelötet.

Die Referenzmarken

Für die Figuren (die Motive):

• Pegaso Models (italienisch): Weltklasse in historischen Figuren aus Harz und Metall, Maßstäbe 54mm, 75mm und 90mm. Skulpturen auf höchstem Niveau, Preise 30-90€ pro Figur.
• Andrea Miniatures (spanisch): Ein weiterer Top-Name, breites historisches und Fantasy-Sortiment, Bausätze und spezielle Farbsets.
• Romeo Models (italienisch): Raffinierte historische Figuren, besonders beliebt im 54mm-Segment.

Für die Farben:

• Vallejo: Die weltweit am weitesten verbreiteten Acrylfarben. Die Serien Model Color (im Töpfchen, matt) und Game Color decken jeden Bedarf ab. 17ml-Flaschen um 3€.
• Scale75: Sehr pigmentierte Acrylfarben auf Harzbasis, sehr beliebt für Hauttöne und Metalleffekte. Die Serie Scalecolor ist eine Referenz für Figurenmaler.

Die Vorbereitung: Die Phase, die niemand überspringen sollte

Eine Figur, die auf einer ungenauen Vorbereitung bemalt wird, wird immer minderwertig aussehen. Die obligatorischen Schritte:

1. Entfernen von Gussgraten und Formnähten: Mit Skalpell und Feilen werden Harz-/Metallgrate und Formnähte entfernt. Dies ist der wichtigste und am meisten vernachlässigte Schritt.
2. Waschen: Harzteile müssen mit lauwarmem Wasser und neutraler Seife gewaschen werden, um das Trennmittel der Form zu entfernen, da sonst die Farbe nicht haftet.
3. Trockenmontage: Vor dem Kleben die Passform prüfen, Spalten mit Spachtelmasse (Tamiya Putty, Green Stuff für Fugen) füllen.
4. Grundierung: Eine dünne Schicht Grundierung (Vallejo Surface Primer in der Flasche oder Citadel/Tamiya Spray) gleicht die Oberfläche aus und sorgt für Farbhaftung. Weiß für helle und leuchtende Farben, neutrales Grau für den allgemeinen Gebrauch, Schwarz als schattierte Basis.

Tipp: Unterschätzen Sie niemals die Formnähte. Eine sichtbare Linie auf der Wange eines Gesichts wird nach dem Bemalen wie eine Narbe aussehen. Führen Sie das Skalpell "schabend" senkrecht zur Linie, dann glätten Sie mit einem feinen Schleifschwamm.

Anatomie und Proportionen im Maßstab

Gut zu malen erfordert zu verstehen, was man betrachtet. Eine 75mm-Figur stellt eine verkleinerte reale Person dar: Die Volumen des Gesichts, die Falten der Stoffe, die Muskulatur sind Anhaltspunkte für die Platzierung von Lichtern und Schatten. Das Studium der Anatomie und der natürlichen Beleuchtung (Licht kommt von oben, daher sind Stirn, Nase und Wangenknochen beleuchtet; Augenringe, unter dem Kinn und Falten liegen im Schatten) ist die Grundlage jeder Farbwahl.

Die Pinselmalerei: Die vier Säulen

Die Bemalung der klassischen Figur erfolgt in überlappenden Phasen.

1. Grundierung

Die Grundfarbe wird in mehreren verdünnten Schichten aufgetragen (niemals auf Anhieb deckend). Acrylfarbe mit Wasser oder Medium bis zur Konsistenz von "Milch" verdünnen und in dünnen Schichten auftragen, um das modellierte Detail nicht zu überdecken.

2. Die Schatten

Vertiefungen (Falten, unter Volumen) werden mit einer dunkleren Version der Grundfarbe abgedunkelt, die nur dort aufgetragen wird, wo kein Licht hinfällt. Die Technik des Recess Shading oder der Washes (sehr verdünnte, dunkle Lasuren) erzeugt Tiefe.

3. Die Lichter

Hervorstehende Teile werden mit der Grundfarbe, der Weiß oder ein hellerer Ton hinzugefügt wurde, aufgehellt und auf die am stärksten dem Licht ausgesetzten Stellen aufgetragen. Die abschließenden Lichter (Highlights) sind klein und gezielt.

4. Das Blending

Ist die allmähliche Verschmelzung von Schatten und Lichtern, so dass keine scharfen Übergänge entstehen. Dies wird durch Wet Blending (Farben noch feucht auf dem Stück verblenden) oder durch Glazes (sehr transparente Lasuren, die die Übergänge weicher machen) erreicht. Es ist die Technik, die der Figur das "gemalte" und dreidimensionale Aussehen verleiht.

Fortgeschrittene Technik: Non-Metallic Metal (NMM)

Das NMM besteht darin, metallische Oberflächen (Schwerter, Rüstungen, Schmuck) mit nicht-metallischen Farben – Grau, Weiß, Blau, Ocker – zu bemalen, um die Reflexionen des Metalls zu simulieren. Das Ergebnis ist, wenn gut ausgeführt, ausdrucksvoller und fotogener als echte Metallic-Lacke.

Das Prinzip: Metall reflektiert die Umgebung wie ein Spiegel, hat also extreme Kontraste (fast schwarze Bereiche neben fast weißen Bereichen) und scharfe Übergänge. Für einen NMM-Stahl beginnt man mit einem mittleren Grau, treibt die Schatten in den Vertiefungen zum Fast-Schwarz und platziert reine weiße Lichter dort, wo die Klinge den Himmel "reflektiert". Es erfordert, im Voraus zu visualisieren, wo die Reflexionen fallen: Es ist die Technik, die das Verständnis des Lichts am meisten auf die Probe stellt.

Fortgeschrittene Technik: Object Source Lighting (OSL)

Das OSL simuliert eine Lichtquelle, die in der Szene vorhanden ist: eine Fackel, eine glühende Klinge, eine Flamme, eine Explosion. Der Effekt besteht darin, das Licht zu malen, das diese Quelle auf die umgebenden Oberflächen projizieren würde – das von einer Kerze von unten beleuchtete Gesicht, die von einer magischen Kugel grün gefärbte Rüstung.

Die goldene Regel: Das Licht ist näher an der Quelle intensiver und nimmt mit der Entfernung ab, wobei es die gleiche Farbe behält (eine Flamme projiziert Orange, ein magisches Licht Blau/Grün). OSL ist bei Wettbewerben spektakulär, muss aber dosiert werden: Übertreibung lässt es künstlich wirken. Man arbeitet mit progressiven Lasuren der Lichtfarbe, beginnend mit den Bereichen, die der Quelle am nächsten liegen.

Die Details, die den Unterschied machen

Die Augen im Maßstab

Der Albtraum von Anfängern. Im Maßstab 54-75mm malt man zuerst das Weiß (eigentlich ein schmutziges Beige, niemals reines Weiß), dann die Iris als kleinen Punkt oder Bogen, und schließlich "schließt" man die Winkel mit einem dunklen Hautton, um das Auge auf die richtige Größe zu reduzieren. Bei kleineren Blicken wird nur der Schatten des Auges angedeutet, ohne die Iris zu malen.

Haare und Stoffe

Haare werden entlang der modellierten Strähnen gemalt, mit Lichtern, die entlang der Haarrichtung gezogen werden. Stoffe leben von Falten: tiefe Schatten in den Vertiefungen, Lichter auf den Kämmen, und Aufmerksamkeit auf das Material (Samt absorbiert Licht und ist matt, Seide erzeugt scharfe, glänzende Kontraste).

Die thematischen Grundlagen

Die Basis vervollständigt die Erzählung: ein felsiger Untergrund, ein Palastboden, ein Schlachtfeld. Eine gepflegte Basis verdoppelt die Wirkung der Figur. Typische Materialien: texturierte Spachtelmasse, Sand, Kies, Pigmente für Erde und Schlamm, statische Vegetation. Die Basis muss zum Motiv passen und darf niemals auffälliger sein als die Figur selbst.

Wie man NMM und OSL trainiert

Diese beiden Techniken lernt man nicht durch Lesen: Man erobert sie durch gezieltes Üben. Für NMM ist es ratsam, zuerst an einem einfachen Motiv mit großen Flächen zu üben – einem glatten Schild, einem großen Schwert – wo es einfach ist, zu planen, wo Lichter und Schatten fallen. Das Studium von Fotos von echtem Metall (polierter Stahl, Gold, Bronze) und der Versuch, die Tonübergänge zu reproduzieren, ist die lehrreichste Übung. Für OSL ist es ideal, mit einer kleinen, gut definierten Lichtquelle (einer Kerze, einem leuchtenden Kristall) an einer Büste zu beginnen, um sich auf das Gesetz der Abschwächung zu konzentrieren: maximale Intensität im Kontakt mit der Quelle, allmähliches Verblassen in die Dunkelheit. Das Filmen von Tutorials von Meistern und das schrittweise Nachahmen verkürzt die Lernzeit drastisch.

Historische vs. Fantasy-Malerei

Die beiden großen Schulen teilen die Techniken, unterscheiden sich aber im Geist. Die historische Figur zielt auf dokumentierten Realismus ab: genaue Uniformfarben, glaubwürdige Materialien, gemessene Kontraste wie in der Fotografie. Die historische Forschung ist ein integraler Bestandteil der Arbeit: das Verständnis des genauen Schnitts einer napoleonischen Uniform, der tatsächlichen Farben eines Regiments, der Materialien der Ausrüstung. Die Fantasy-Figur (und Wargames) erlaubt theatralischere Kontraste, gesättigte Farben, starke OSL-Effekte, weil sie imaginäre Welten erzählt, in denen das Licht tun kann, was es will. Viele Figurenmaler praktizieren beide Schulen, weil die in der einen erworbenen Fähigkeiten die andere bereichern.

Büsten, große Maßstäbe und Formate

Neben den ganzen Figuren ist eine der beliebtesten Kategorien für erfahrene Maler die Büste: die Reproduktion nur des Torsos und Gesichts einer Figur, typischerweise im Maßstab 1:10 oder 1:12. Der großzügige Maßstab ermöglicht es, sich auf den Gesichtsausdruck, die Details der Uniform und die Texturen der Materialien zu konzentrieren, was sie zum idealen Format macht, um die Blending- und Hauttontechniken maximal auszuschöpfen. Marken wie Pegaso Models, Young Miniatures und Life Miniatures produzieren Büsten von höchstem skulpturalem Niveau.

Die Maßstäbe der ganzen Figuren reichen von 28-35mm für Wargames über 54mm (der klassische historische Maßstab) bis hin zu 75mm und 90mm für Sammlerstücke, bis zu 120mm und mehr für reine Ausstellungsstücke. Je größer der Maßstab, desto mehr Details erfordert und verträgt er, aber desto gnadenloser werden auch Farbübergangsfehler hervorgehoben. Deshalb raten viele, schrittweise zu wachsen: den 54mm-Maßstab zu beherrschen, bevor man sich einer 1:10-Büste widmet, wo jede Unvollkommenheit des Blendings verstärkt wird.

Die Figuren in Dioramen und Vignetten

Eine Figur kann allein stehen oder in eine Vignette (kleine Szene mit ein oder zwei Motiven) oder ein größeres Diorama integriert werden. In diesem Fall kommen zusätzliche Fähigkeiten ins Spiel: die Komposition (die Drittelregel, die Blickrichtung), die Interaktion zwischen den Figuren und der Umgebung, die Kohärenz der Beleuchtung. Eine gut konstruierte Vignette erzählt einen Moment, eine Emotion, eine Beziehung zwischen den Charakteren und belohnt diejenigen, die die Figurenmalerei mit der szenografischen Erzählung verbinden können.

Die Hauttöne: Die Feuerprobe des Figurenmalers

Die Haut ist die schwierigste und am meisten beurteilte Oberfläche einer Figur. Ein flacher Hautton verrät sofort die Unerfahrenheit, während eine gut bemalte Haut – mit ihren rötlichen Untertönen in vaskularisierten Bereichen (Wangen, Nase, Ohren, Knöchel), helleren Hauttönen auf der Stirn und Grau-Grün in der rasierten Bartpartie – der Figur Leben einhaucht. Sie wird auf einer mittleren Basis (Mischung aus Ocker, Rot und Weiß) aufgebaut, die Schatten werden mit einem Hauch von Rot und Braun abgedunkelt (niemals mit Schwarz, das die Haut "verschmutzt") und die Volumen werden mit zunehmend helleren Hauttönen aufgehellt. Marken wie Scale75 und Andrea Miniatures bieten spezielle Farbsets für Hauttöne an, mit vorab abgestimmten Nuancen, die die Arbeit erheblich erleichtern.

Pinsel und Ausrüstung

Der Pinsel ist das Hauptwerkzeug des Figurenmalers, und seine Qualität beeinflusst das Ergebnis enorm. Kolinsky-Rotmarderhaarpinsel (Winsor & Newton Series 7, Raphaël 8404, Da Vinci) sind der Standard: Sie halten viel Farbe, behalten eine perfekte Spitze und halten bei sorgfältiger Behandlung jahrelang. Die am häufigsten verwendeten Größen sind 0, 1 und 2 für die Grundierung und 3/0 oder 5/0 für feine Details wie Augen und abschließende Lichter. Neben den Pinseln benötigt man eine Wet Palette (feuchte Palette, die Acrylfarben lange flüssig hält, unerlässlich für das Blending), eine gute Beleuchtung mit neutralem Licht (5000-6000K) und eine Lupe oder ein Kopfvisier für die kleinsten Details.

Tipp: Waschen Sie einen Kolinsky-Pinsel niemals mit Farbe, die bis zum Ansatz (der Basis der Borsten) gedrückt wurde. Laden Sie Farbe nur auf die mittlere Spitze und reinigen Sie ihn am Ende der Sitzung mit spezieller Seife (The Masters Brush Cleaner), wobei Sie die Spitze neu formen. Ein gut behandelter Pinsel hält Jahre; ein schlecht behandelter eine Woche.

Häufige Fehler von Anfängern

Das Wissen um typische Fehler beschleunigt das Wachstum:

• Zu dicke Farbe: Überdeckt modellierte Details. Die goldene Regel ist "mehr dünne Schichten" statt einer deckenden Schicht.
• Unzureichender Kontrast: Eine Figur, die ganz im gleichen Ton gehalten ist, wirkt aus der Ferne "flach". Im Maßstab sind stärkere Kontraste als in der Realität erforderlich.
• Grundierung überspringen: Die Farbe löst sich oder haftet nicht gleichmäßig.
• Unverhältnismäßige Augen: Zu groß gemalt, verleihen sie einen "Cartoon"-Ausdruck. Besser das Auge andeuten als übertreiben.
• Basis vernachlässigen: Eine schlampige Basis mindert Stunden der Malerei.

Die Referenz-Communitys

Um zu wachsen, muss man sich austauschen und Kritik annehmen:

• Putty & Paint: Die prestigeträchtigste Online-Galerie für Sammlerfiguren und Wettbewerbsarbeiten. Höchster Standard.
• CoolMiniOrNot (CMON): Historische Community mit Bewertungssystem, stärker auf Wargames und Fantasy ausgerichtet.
• Spezielle Facebook-Gruppen und YouTube-Kanäle (Tutorials zu Blending, NMM, OSL) sind eine unerschöpfliche Quelle.

Richtpreise für Figurenbausätze

• Kunststoff-/Wargame-Figur (einzeln): 5-15€
• Metallfigur 54mm: 15-35€
• Harzfigur für Sammler 75mm (Pegaso, Andrea): 35-80€
• Hochwertige Harzbüsten: 50-120€
• Grundfarbenset (Vallejo/Scale75): 20-40€

Acryl-, Öl- und Emailfarben auf Figuren

Obwohl Acrylfarben die Szene dominieren, integrieren viele hochrangige Figurenmaler Öl- und Emailfarben in ihren Arbeitsablauf. Ölfarben (Abteilung 502, die gleichen wie in der Kunstmalerei) haben eine sehr lange Trocknungszeit, die ein sehr weiches Blending ermöglicht, ideal für Hauttöne und große Draperien. Die Mischtechnik – schnelle Acrylbasis, dann Öl-Finish für die weichsten Übergänge – ist bei großformatigen Büsten sehr verbreitet. Emailfarben finden vor allem bei metallischen Details und einigen spezifischen Effekten Anwendung. Der Schlüssel ist die Kompatibilität zu kennen: Öl lässt sich problemlos über gut getrocknetes Acryl auftragen, niemals umgekehrt ohne eine transparente Barriere.

Die Fotografie der fertigen Figur

Ein oft vernachlässigter, aber entscheidender Aspekt, besonders wenn man die Arbeit in Galerien wie Putty & Paint teilen möchte, ist die Fotografie. Eine wunderschön bemalte, aber schlecht fotografierte Figur verliert viel von ihrem tatsächlichen Wert. Man benötigt diffuses und neutrales Licht (eine kleine Softbox oder ein abgeschirmtes natürliches Licht), einen neutralen Hintergrund, der nicht ablenkt, ein Stativ für Stabilität und eine präzise Fokussierung auf das Gesicht. Makroaufnahmen ermöglichen es, Details zu zeigen, aber das Licht offenbart die Volumen und Übergänge des Blendings. Viele Bewertungen in Online-Wettbewerben basieren genau auf den Fotos, daher ist das Erlernen des Fotografierens ein integraler Bestandteil des modernen Figurenmaler-Handwerks.

Aufbewahrung und Transport

Eine fertige Figur ist zerbrechlich: Waffenspitzen, Antennen, feine Details brechen leicht. Für den Transport zu Wettbewerben werden Koffer mit geformten Schaumstoffeinlagen verwendet, und für die häusliche Ausstellung die unverzichtbaren Vitrinen, die sie vor Staub schützen, dem Feind matter Oberflächen. Die Basis fest am Boden der Vitrine zu befestigen, verhindert versehentliches Umkippen, das monatelange Arbeit zunichte machen kann.

Fazit

Die Figurenmalerei ist eine endlose Reise: Auch Meister lernen ständig dazu. Beginnen Sie mit einem Plastikmodell und Vallejo-Farben, beherrschen Sie die vier Säulen (Grundierung, Schatten, Lichter, Blending) und widmen Sie sich erst danach NMM und OSL. Laden Sie Ihre Arbeiten auf Putty & Paint hoch, nehmen Sie Kritik an, und in einem Jahr werden Sie über Ihre Fortschritte staunen. Der Pinsel, wie jedes Kunstwerkzeug, belohnt denjenigen, der beharrlich ist.